¿Qué es una estrella de cine?

Un actor en el trabajo se entrega al proyecto y habita el mundo interior del personaje en la página. El oficio ha evolucionado a medida que la actuación en el escenario ha dado paso a la Era Dorada de Hollywood y al Nuevo Hollywood, pero esa devoción básica por encarnar al personaje sigue siendo la misma.

Los cambios en el estilo y la técnica de actuación se deben en gran medida a la tecnología. Por ejemplo, la actuación en el escenario requiere gestos más amplios y exagerados que la actuación en el cine, ya que el público no puede ver primeros planos de los rostros de los actores. Del mismo modo, las primeras películas, con sus engorrosas cámaras con películas que requerían más luz para incluso hacer visible una imagen, requerían una actuación y una dirección escénica menos naturalistas que las películas posteriores. A medida que la tecnología ha acercado las imágenes cinematográficas a la realidad, la actuación se ha transformado para volverse más naturalista.

Según el teórico del cine André Bazin, un componente importante que diferencia el cine del teatro es la participación del público. En el teatro, existe un pacto entre el actor y el público de que lo que uno está presenciando es una invención, y el público en presencia de un actor debe participar conscientemente en la abstracción. Cuando uno ve una película, hay un ejercicio intelectual mucho menos riguroso en marcha y, por lo tanto, las audiencias pueden relacionarse más directamente con los personajes que están viendo. Un actor de teatro es la fuente singular del drama en el escenario, mientras que en el cine el drama se deriva de la presencia y la relación de un actor con cualquier otra cosa que esté en la pantalla. Es a través de esta relacionalidad que las audiencias cinematográficas llegan a identificarse personalmente con el héroe de una película.

A medida que la tecnología cinematográfica ha evolucionado más, las identificaciones se han vuelto más fluidas e intensas, creando las condiciones perfectas para el surgimiento de estrellas de cine únicas, queridas y universalmente reconocidas: actores que tienen el talento y la presencia para aprovechar al máximo el medio y aprovechar esa capacidad. para identificación Pero a medida que la propiedad intelectual (PI) llegó a dominar la industria cinematográfica, también comenzó a interferir con las características de la actuación que se prestan al estrellato cinematográfico. Si la atracción de una audiencia por las películas se convierte en un consumo ritual de la PI en lugar de un apego auténtico a las estrellas y los personajes que retratan, este delicado equilibrio de resonancia personal y conexión intelectual se rompe. El público se convierte en una especie de accionista, miembros de un fandom encargado de mantener viva la franquicia. Como resultado,

La estrella de cine es un actor cuya presencia fortalece ese vínculo de identificación a través de una familiaridad inmediata a la audiencia. En esta relación, el valor agregado de una estrella de cine es su capacidad de sumarse a cualquier proyecto y otorgar no solo un estándar de calidad, sino actuar como garante de la conexión con la audiencia. Con el cine de franquicia, esto ya no es necesario e incluso puede considerarse un obstáculo. En consecuencia, el surgimiento de franquicias cinematográficas basadas en propiedad intelectual parece haber invertido ese proceso de identificación cada vez más profunda en la actuación cinematográfica, al mismo tiempo que no conserva nada de lo que hizo que la actuación en el escenario fuera tan poderosa.

El público no está destinado a conectarse con los nuevos protagonistas de películas de cómics como seres alternativos imaginados. Están destinados a conectarse con la propiedad intelectual como miembros de una base de consumidores estable. Las audiencias son volubles, pero los fandoms son confiables, lo que mitiga el riesgo y actúa como un mejor indicador de las ganancias futuras.

Cuando la actuación se ha reducido a la administración de la PI, hay poca necesidad de que los actores tengan características o estilos únicos. De hecho, es mejor para los inversores si funcionan como recipientes vacíos para historias mucho más grandes que ellos, que pueden repetirse sin cesar mucho después de que estén fuera de escena.

Método Actuación y Celebridad

El advenimiento del movimiento de New Hollywood hacia una actuación más realista a menudo se atribuye en parte al método de Lee Strasberg, en el que el actor intenta fundamentar el estado emocional de su personaje en sus propias experiencias personales y está capacitado para aprovecharlas. Este enfoque, llamado método de actuación, contrasta directamente con el enfoque de los actores teatrales más tradicionales, que construyeron sus personajes a través del físico característico en lugar de la emotividad empática.

La transición al método de actuación fue la encarnación viva del concepto de Bazin de la distinción entre actuación teatral y cinematográfica. La actuación teatral es un ejercicio intelectual para el actor y el público, mientras que la actuación cinematográfica es un medio de identificación más instintivo. El enfoque de Strasberg proporcionó un método para aprovechar ese instinto.

El auge del método de actuación en Hollywood se produjo junto con el nacimiento de la celebridad moderna. Esto no es una coincidencia. El consumismo, la comercialización y varias estrategias de la industria sin duda desempeñaron un papel importante en el auge de las celebridades del siglo XX, pero no podemos pasar por alto la evolución del oficio en sí. Como el método de actuación se basaba en una conexión mucho más personal entre el actor y el personaje, el público a su vez sentía conexiones más fuertes con los personajes y los actores que los interpretaban. Este proceso naturalmente avivó la curiosidad, y los medios de comunicación y los chismes de celebridades siguieron su ejemplo.

Este equilibrio de conexión personal tuvo que ser templado con un sentido de separación. Al igual que un escenario tiene un proscenio, las películas tienen los bordes del marco, y el conflicto entre la audiencia y estas barreras es inherente a la realización cinematográfica. La prensa sensacionalista fue la primera estrategia de la industria para ganar dinero a partir de la frustración de la gente con esos límites y el deseo de traspasarlos. Otra característica definitoria de la estrella de cine existe en ese espacio intermedio: la gente quiere desesperadamente saber sobre su vida personal, pero algunas cosas están fuera de los límites, sin importar cuánto traten los tabloides de desenterrar la suciedad.

Cada vez más, sin embargo, nada está fuera de los límites. Con el advenimiento de las redes sociales, la industria ha pasado a una estrategia de hacer que los actores sean más identificables y accesibles de manera intencional fuera de sus actuaciones. A menudo se requiere que los actores tengan personalidades en línea que fomenten los cultos de fandom y difuminen las líneas entre su persona y su personalidad. Esa accesibilidad borra la mística que es necesaria para la creación de una estrella de cine.

Las actrices siempre han tenido que luchar más para mantener esa mística que sus homólogos masculinos. Marilyn Monroe, por ejemplo, fue una estudiante particularmente hábil de Lee Strasberg, quien dijo en su elogio de ella:

Otros eran tan hermosos físicamente como ella, pero obviamente había algo más en ella, algo que la gente veía y reconocía en sus actuaciones y con lo que se identificaba. Tenía una cualidad luminosa, una combinación de melancolía, resplandor y anhelo, que la diferenciaba y, sin embargo, hacía que todos desearan ser parte de ella, compartir la ingenuidad infantil que era tan tímida y, sin embargo, tan vibrante.

El uso del método de interpretación de Marilyn Monroe, que se basó en su experiencia personal, permitió que el público se conectara con su vulnerabilidad y se sintiera cerca de ella. Pero esto solo los hizo querer más, y se sintieron con derecho a ello. Debido a que ella era una mujer, la prensa sensacionalista estaba ansiosa y capaz de explotar el “deseo de ser parte de esto” de la audiencia de maneras singularmente dañinas. Las estrellas femeninas siempre han tenido que esforzarse más que las estrellas masculinas para mantener el equilibrio de identificación y mística que eleva a un actor a una estrella de cine y lo mantiene en la categoría de por vida.

Ahora los actores de todos los géneros están inclinando voluntariamente la balanza. A medida que las celebridades modernas recurren a las redes sociales para integrar su vida personal en sus marcas, su fama aumenta, pero la tensión entre la identificación y la exclusividad que solía caracterizar el estrellato del cine comienza a desaparecer. Nunca ha sido tan fácil convertirse en una celebridad, y esto excluye la posibilidad de convertirse en una estrella.

Los últimos héroes de acción

Las películas de acción de la década de 1980 fueron una expresión de hipermasculinidad tras la derrota en Vietnam. La Guerra Fría, el comienzo del declive de la parte del poder de la clase trabajadora estadounidense y la introducción de la austeridad que eliminaría las ganancias del New Deal y la Gran Sociedad estaban comenzando a remodelar los sentimientos culturales de Estados Unidos sobre sí mismo. Entonces, cuando llegaron mediados y fines de la década de 1980, productores como Joel Silver y Jerry Bruckheimer lograron leer el momento y tocar la fibra sensible de estrellas como Bruce Willis y Tom Cruise, dos actores cuyas trayectorias profesionales marcan los extremos polares de las opciones restantes. para estrellas de cine.

En el contexto del estreno de La jungla de cristal , la novedad de un personaje como John McClane era que era un hombre cualquiera empujado a una situación extraordinaria que lo forjaba como un héroe. Esto contrasta fuertemente con muchas películas de gran éxito lanzadas hoy, especialmente películas de superhéroes en las que los personajes, que ya sabemos que poseen habilidades superiores, se hacen sentir identificables a través de su sentido del humor o el hecho de que tienen las mismas sensibilidades de la cultura pop que sus audiencia.

Es difícil verlo ahora, después de Die Hard, pero en ese momento Willis era considerado un actor relativamente diminuto físicamente, conocido principalmente por su papel mordaz en el programa de televisión Moonlighting. Seleccionarlo como un héroe de acción se consideró tan arriesgado que el estudio inicialmente publicitó la película sin siquiera presentar a Willis en los carteles. No fue hasta que la película fue un éxito que incluyeron su rostro. Pero el director John McTiernan confiaba en que Willis tenía el temperamento de “hombre común” para hacer que el público se identificara con su personaje, y que este proceso de identificación crearía un arco heroico aún más poderoso. Tenían razón.

Dos años antes de La jungla de cristal , apareció otra estrella de cine de acción cuando Tom Cruise interpretó el papel principal en Top Gun . Su personaje, Maverick, era un piloto de combate engreído y carismático que personificaba la postura confiada de los Estados Unidos al final de la Guerra Fría. La película era una fantasía del fin de la historia: el personaje de Maverick casi provoca lo que en la vida real hubiera sido la Tercera Guerra Mundial simplemente porque quería presumir. En la película, Estados Unidos está tan en auge que su arrogancia no tiene consecuencias geopolíticas. Esta actitud triunfante se convirtió en un emblema de las películas de acción desde finales de la década de 1980 hasta principios de la de 2000, hasta que el 11 de septiembre inició otra ola de propaganda de guerra paranoica.

Los métodos de narración y actuación de Top Gun y Die Hard tocaron algo profundo en la psique estadounidense y transformaron a Cruise y Willis en auténticas estrellas de cine. Pero, ¿dónde están nuestras estrellas de cine ahora?

Una vez que un actor ha alcanzado el estatus de estrella, su poder de estrella es un activo que, como el capital mismo, debe reinvertirse o corre el riesgo de atrofiarse. Las estrellas de cine siempre han caminado por una línea muy fina, cuidadosas de seguir trabajando sin apegarse a proyectos que dañarán su marca. Muchos de ellos también idearon una estrategia inteligente para mantener los ingresos mientras esperaban que aparecieran proyectos aceptables: hicieron anuncios en el extranjero.

Antes del uso generalizado de Internet, las celebridades que protegían su poder de estrella podían hacer anuncios en el extranjero por dinero extra sin mucho riesgo de que el público estadounidense los asociara con trabajos de actuación de mal gusto o de bajo costo. Pero una vez que se hizo imposible hacer estos anuncios de forma encubierta, se acabó el truco: las estrellas de cine tenían que salir del armario como actores en activo que aparecían en los anuncios, algo que siempre habían hecho, pero de forma discreta.

Con el tiempo, más estrellas de cine comenzaron a hacer tratos lucrativos con marcas nacionales como embajadoras. Esto, además de que las redes sociales hacen que las estrellas de cine sean más accesibles, ha comenzado a erosionar los últimos vestigios de la mística de una estrella. Considere la naturaleza transaccional de la aplicación Cameo, que permite a los usuarios gastar cientos de dólares para que una celebridad les envíe un video personalizado. Si una estrella de cine está cimentada por su capacidad de generar una amplia relación mientras conserva cierto grado de separación, entonces reducirla a enviar videos personalizables de feliz cumpleaños es una indicación de su utilidad aventada. No puede haber estrellas de cine en la era de Cameo.

Al igual que los anuncios en el extranjero, el fenómeno de las películas de acción directas a video alguna vez fue una forma fácil para que las estrellas en apuros ganaran dinero sin arriesgarse a un fracaso de taquilla. La fórmula era simple: tome un guión de película B de bajo presupuesto, filme en un país o estado con bajos costos laborales y/o créditos fiscales, haga que una estrella de cine filme durante solo un par de días para que la película se financie con preventas en el extranjero. basado en su atractivo internacional, y luego estrenar la película en cines en el extranjero, y en la papelera de ofertas en Walmart a nivel nacional.

Sin embargo, con el declive del mercado de videos domésticos, las películas tuvieron que evolucionar para la transmisión. Ingrese al llamado bromista geezer moderno . La idea es que las películas baratas y desechables podrían financiarse a través de medios cuestionables contratando a un actor anciano por un corto tiempo, usando su rostro en el cartel y luego usando el dinero que se generaría con su poder de estrella para hacer la película. Es casi innecesario que estas películas incluso obtengan ganancias cuando se lanzan en streaming. Estrellas como Mel Gibson, Robert DeNiro y Nicolas Cage han dado un giro cada uno, pero deben tener cuidado de no exagerar y perder la credibilidad que desarrollaron a lo largo de su carrera. Es decir, a menos que no planeen actuar por mucho más tiempo.

En marzo de 2022, Bruce Willis anunció repentinamente su retiro de la actuación. En los meses siguientes, las historias de su estado mental en declive se filtraron para pintar una imagen de que los productores se aprovecharon de él durante años. Desde 2011, tiene cincuenta y siete créditos terminados o pendientes, la mayoría de los cuales son películas descartables del tipo descrito anteriormente. No está del todo claro cuándo comenzó el declive, pero parece bastante obvio que con cada vez menos opciones para las estrellas que no están apegadas a los vehículos de la franquicia, Willis hizo un cálculo para exprimir todo lo que pudiera de su celebridad antes de retirarse.

La carrera de Alec Baldwin, que recientemente se congeló después de filmar a Halyna Hutchins en el set de la película occidental de bajo presupuesto Rust, también se puede entender a través de la lente de las opciones decrecientes para las estrellas de cine. BondIt Media Capital, que financió tanto a Rust como a numerosas películas de Bruce Willis de la última década, ayuda a financiar películas de bajo presupuesto que no cumplen con los criterios del grupo cada vez menor de películas de estudio aceptables. Es un modelo de negocio inteligente, que aprovecha el capital cultural restante de las estrellas de cine envejecidas mientras dure. Puede que no sea glamoroso, pero le permite a alguien como Baldwin ganar dinero rápido sin mucho esfuerzo.

El problema es que BondIt Media Capital y otros como él están interesados ​​en una sola cosa: el máximo retorno de la inversión. Eso significa que también buscan créditos fiscales y leyes laborales relajadas. El resultado no es solo una filmación de mala calidad, sino también escenarios de películas caóticos, descuidados y, en última instancia, inseguros. Los incentivos de la industria cinematográfica no solo están devaluando el legado de los actores restantes que descuidaron o no lograron unirse a una franquicia, sino que también están poniendo en peligro a los equipos con presupuestos más pequeños y películas dirigidas por productores sin escrúpulos. A medida que las estrellas de cine navegan por las perspectivas de deterioro de la industria cinematográfica, se hace evidente que los equipos que hacen estas películas serán los más afectados por el declive.

Parecería que, en comparación con Willis, Cruise ha soportado bastante bien el empeoramiento de las condiciones de la industria. Top Gun: Maverickrevitalizó un panorama cinematográfico asediado al recordarle a la gente que las salas de cine son donde aún se puede ver un espectáculo genuino. Como todos los actores de su pedigrí, Cruise finalmente decidió reiniciar su papel más importante y, de alguna manera, logró no solo evitar las trampas de esa tarea, sino construir sobre lo que hizo que Top Gun original funcionara . La trama estaba bien trabajada y el final fue telegrafiado a una milla de distancia, pero Cruise es una verdadera estrella de acción y Top Gun: Maverick lo hizo innegable.

Cruise rompió con la tradición en un reinicio como este, que generalmente permite que la generación más joven brille en el tercer acto. En cambio, Cruise se mantuvo a la cabeza, al igual que su personaje Maverick, quien sabe que es el único que puede completar la tarea porque es el único piloto que ha sido probado de esta manera. Hizo una película emocionante, pero también fue agridulce. Al ver Top Gun: Maverick , tienes la sensación de que realmente estás viendo a una de las últimas grandes estrellas de cine en acción, y no hay nadie listo para ocupar su lugar.

El auge de la PI, la caída del cine

Cuando Batman (1989) de Tim Burton se convirtió en un gran éxito, Warner Bros. respondió otorgando más control y un mayor presupuesto para su secuela, Batman Returns (1992). Parece que Warner Bros. olvidó que estaba trabajando con el director de Beetlejuice y se sorprendió cuando la secuela fue más oscura y menos familiar. En reacción, expulsó a Burton de la franquicia, una historia que ilustra el proceso de exiliar a los cineastas de autor, y de hecho a todas las interpretaciones originales y únicas, de la realización de películas de franquicia.

Para comercializar Batman Returns y compensar cuánto dinero más le estaba costando al estudio, Warner Bros. hizo un trato con McDonald’s, incluida la comercialización de Happy Meal. Sin embargo, una vez que McDonald’s vio una versión preliminar de la película, se dio cuenta de que estaba comercializando una película para niños que tenía un contenido mucho más violento y sexual de lo que había anticipado, e hizo todo lo posible para crear cierta distancia de la película en sí sin dejar de cumplir. su obligacion

McDonald’s hizo que los juguetes con el tema de Batman se separaran del diseño de Burton en un esfuerzo por no parecer que estaba atrayendo a los niños a la película más madura. Sus esfuerzos no fueron suficientes: cuando se estrenó la película, los niños ya habían recogido juguetes y vasos conmemorativos e insistían en ver la película. Cuando sus padres se los llevaron, se sorprendieron por la violencia gráfica y el contenido sexualmente sugerente.

Los niños habían comprado una versión familiar de un juguete basado en una adaptación cinematográfica de un cómic que técnicamente no debían ver. Se habían convertido en participantes inconscientes en la lucha por la primacía de la propiedad intelectual en el cine, una lucha que ha llegado a dominar toda la industria en las décadas posteriores.

Una vez que llegó el momento de pensar en la próxima película de la franquicia, Burton fue superado, y la visión más campechana, más comercializable y amigable para los niños de Joel Schumacher se arregló para la producción, junto con una gran cantidad de juguetes Happy Meal. Michael Keaton, que había interpretado a Batman en las películas anteriores de Burton, se retractó, citando diferencias creativas con la visión de Schumacher. La franquicia avanzó con Val Kilmer en Batman Forever (1995), y luego reformuló a Batman con George Clooney para la última película de Schumacher sobre Batman, Batman & Robin (1997).

Esta evolución traza el desarrollo de la franquicia cinematográfica moderna. Ahora se espera que los directores hagan películas que cumplan con los objetivos más amplios de marketing y comercialización multiplataforma de los estudios. Mientras tanto, el papel de la estrella de cine se reduce a proporcionar la mera encarnación física de un personaje para estudios y empresas matrices que se preocupan únicamente por actuar como custodios de la propiedad intelectual rentable.

Por mucho que intenten aportar originalidad a los papeles, los actores una vez más se ven obligados a cambiar su oficio bajo restricciones prácticas. Los grandes éxitos de la generación anterior son ingresos más o menos pasivos para un grupo cada vez menor de conglomerados que intentan sacarles la mayor cantidad de ganancias posible. Esto no solo reduce las oportunidades de brillar para los actores jóvenes y aspirantes, sino que ha comenzado a ejercer presión sobre una clase de personas mayores que se gradúan y que aún poseen una calidad de estrella que solo puede ser traicionada por el cuerpo en el que reside.

La película Blade Runner 2049 proporciona una buena metáfora del estado del estrellato cinematográfico de Hollywood. Harrison Ford pasó gran parte de la última década y media siendo arrastrado hacia atrás para reiniciar los papeles que cimentaron su legado como estrella de cine, solo para eclipsar a medias a todos los actores a los que aparentemente estaba pasando la batuta. Blade Runner 2049 evita esta trampa al no cometer el error de intentar reemplazar a su personaje, Deckard, con el de Ryan Gosling. De hecho, la tensión de la película se basa en el personaje de Gosling, Joe, que poco a poco se da cuenta de que él, un replicante, puede ser el hijo de Deckard nacido de una concepción milagrosa de humano/replicante. Este falso engaño se alimenta de recuerdos que el hijo real de Deckard le ha impartido a Joe a través de un proceso de hacer que los replicantes se sientan más humanos.

Hacia el final de la película, Joe viaja para encontrar a Deckard solo en un casino en un Las Vegas irradiado. Los dos pelean en un lugar tocando un holograma de Elvis, tomado de su actuación durante el final de su vida cuando el verdadero Elvis fue esencialmente obligado por su gerencia a actuar de manera humillante hasta que se marchitó. Es un telón de fondo perfecto para un enfrentamiento entre una genuina estrella de cine y un recién llegado. Este último debe aceptar el hecho de que es solo una simulación de un tipo de héroe que el mundo necesita pero que ya no se fabrica.